miércoles, 24 de abril de 2013

El Dia del Libro

23 de Abril: Día del libro. En Barcelona la gente se lanza a la calle en busca de una rosa y un libro. En el centro el ambiente es febril, especialmente en las ramblas, donde se suceden uno tras otro los puestos de venta de libros y rosas. El tráfico está cortado y se camina sin prisas, porque con tanta gente no se puede tener prisa. Hay Stands donde los escritores firman libros o se realizan entrevistas. Dicen que este día hay librerias que venden el 20% de su facturación anual, y que para mucha gente es el día del año en el que compran uno o dos libros, seguramente los únicos hasta el siguiente dia del libro. En las semanas previas a esta fecha se suceden las novedades editoriales, y últimamente las reflexiones sobre la decadencia de las librerias, del formato del libro en papel y de la crisis en la industria. El día del Libro es visto como una tregua dentro del incierto panorama al que este sector se enfrenta.


La rambla el 23 de Abril a las 15:30, todos a por su libro y/o su rosa, o a por su foto de las ramblas llenas


Se trata de un acontecimiento en el que el libro como objeto se distribuye de manera masiva, es el día de los superventas, de los betsellers, y desde Grabado Líquido pensamos en un arte, la literatura, con un vehiculo , el libro, claramente Postaurático. Igual da un libro que otro. Pensamos en el autor, en las publicitadas novedades, y en todo caso elegimos entre la edición de bolsillo o una de mayor gramaje, si es que es posible  elegir.  Se puede uno recorrer la ramblas y tener la sensación de que en realidad no son tantos los libros, que en casi todos los puestos hay lo mismo. Pero, al final de la rambla, aparte de la negra flor, hemos podido visitar esto:


Entrada a la Feria Art libris



La ya 4ª edición de Arts Libris, Feria Internacional del libro y ediciones de arte, fotografía y diseño de Barcelona. Es importante el Subtitulo, porque el nombre de guerra -Art Libris-  parece que signifique El Arte del Libro, y que nos remita a una feria de libro de artista y ediciones de libros de arte; pero cada vez más, edición tras edición, está claro que la feria aprovecha el tirón del dia del libro para presentar una feria en la que el libro es uno de los argumentos, pero no el único. Ediciones de Arte múltiple se acercaría más a lo que se ha podido ver allí, sobre todo en la parte de expositores. Después de pasear por la Rambla, traspasado el umbral de Art Libris, pasamos del libro convencional, cuya fabricación y difusión se pretenden masivas y que es vehiculo de la literatura, al libro como objeto artístico, de edición limitada y fabricación artesanal.

Panorama de la parte de expositores

Como digo, esto no es exactamente así. Cada año la presencia en Art Libris de las ediciones de Arte múltiple de todo tipo, fotografía, objetos, obra gráfica, es mayor. Sin embargo la comun presencia de libros como objeto de Arte hace pensar sobre la aparente y generalizada condición Postaurática del libro usual. Porque resulta paradójico -pero ya es una paradoja que empieza a sonarnos- que cuando se anuncia la obsolescencia y pronto fin de un medio, de una industria o de un arte, éste reaparece redefinido por el propio mundo del arte. En este caso, el del libro, se rescata el objeto y se convierte en edición limitada u objeto único. Y puesto que ya he nombrado la  condición Postaurática de la Literatura, advirtamos que a traves de la atención material al objeto el libro renace como Arte Aurático tal como Benjamin define al Aura. Estamos ante un libro en el que hay una apuesta por la presencia irrepetible, por un aquí y un ahora que el artista propone a través del libro como auténtico.

  Esto tiene sus matices. Habrá quien confunda este renacer con la bibliofilia que colecciona rarezas del pasado, libros antiguos o primeras ediciones, pero en estos casos se trata de una consecuencia del tiempo que pasa y de la apreciación de una artesania del libro de alto nivel (encuadernación, tipografía, papel, etc).




Pero de lo que se trata aquí es de la voluntad expresa del artista de pensar la materialidad del libro antes que su función tradicional de vehiculo literario. Cada libro es cada artista.  No hay un formato y el libro objeto se puede volver no solo ilegible, sino irreconocible como tal.

Grabado Líquido deambuló por los Stands rastreando los diversos aspectos que rodean a este renacer del Libro, saludando de paso a los artistas amigos:


Stand de Tinta Invisible, una editorial que presentaba varios formatos de libro de artista

Maria Pujol de Manera Negra y sus libros troquelados




Stand de Círculo del Arte, aquí libros de Arte, ediciones de fotografía y algún libro de artista


Propuesta creativa centrada en las encuadernaciones de Helene Genvrin


Los artistas Roser Sales y Juan Escudero ante el Stand de Roser Sales

Para que el Libro como argumento del Arte quedase claro, Arts Libris se ha complementado este año con una exposición sobre el libro de Artista. Pasando Página, el libro como territorio del Arte, que dura hasta el 11 de Mayo y por tanto puede ser visitada aún. En ella podemos ver un acercamiento al Libro de Artista desde la historia, partiendo de Edward Ruscha en 1963 con sus Twenty-six Gasoline Stations.



El interés por los libros de artista en Barcelona que aprovecha el dia del libro para visibilizarse no es patrimonio de Arts Libris. Desde hace 6 años un evento más humilde en su formato, pero con contenidos tambien remarcables, es el Festival del libro de artista y la pequeña edición, que este año se ha ampliado a una Feria de las Artes del libro. El lugar de la Feria ha sido El Pati Llimona, y Grabado Líquido también se ha pasado por allí:




En esta otra feria, de una manera muy clara y debido a su tamaño, predomina el expositor en el que el propio artista nos presenta su trabajo y, a diferencia de Arts Libris, no hay galerías ni apenas presencia institucional. Esto tiene la ventaja de que el libro de Artista resulta más visible en sus diferentes enfoques que en Arts Libris:


Libro-Urna


Libro inacabable

Libro caja

Hablar con los artistas, que generalmente son los que permanecen en el Stand, resulta muy fácil. De esta manera el contexto en el que el libro de artista cobra un sentido de autenticidad, tal como Walter Benjamin la definió en el campo del Arte, queda más claro.





La artista Maru de Marbella enseña a Grabado Líquido su obra


Libro de Pia Wortham

Libro de Carmen Sanz Soto


En definitiva, el renovado interés sobre el libro de Artista es para Grabado Líquido otro síntoma más de cómo las nuevas tecnologías de lo digital y la consiguiente desmaterialización del Arte consiguen que lo material y los enfoques artesanales y artísticos centrados en el objeto y su Aura cobren un nuevo impulso. En vez de desaparecer renacen, en vez de tornarse insignificantes se resignifican.

Y por si lo de la negra flor no os quedó claro:

miércoles, 10 de abril de 2013

Postfotografía

Estos días en Barcelona es posible ver un par de exposiciones sobre La Postfotografía, ambas comisariadas por Joan Fontcuberta, una de ellas en Arts Santa Mónica hasta el Sábado que viene. Con tan interesante prefijo no he podido resistirme y he ido a ver de qué se trata la Postfotografía, cual es la selección de los trabajos y de qué manera Fontcuberta da contenido a este concepto. La Postfotografía sin duda -pensé- tiene que tener que ver con la Postmodernidad. Además he buscado por Internet información sobre este concepto, encontrando en primer lugar un artículo de Fontcuberta de hace 2 años publicado en la Vanguardia en el que él mismo explica de qué va la Postfotografía, ofreciendo incluso un Decálogo radical, a manera de manifiesto Vanguardista, de la ética Postfotográfica. En la exposición de de Arts Santa Mónica Fontcuberta ejemplifica en la selección de autores las diferentes y novedosas  tendencias que la Postfotografía trae consigo.




Resumiendo mucho, la idea general es que los cambios tecnológicos en el mundo fotográfico ligado a las nuevas tecnologías digitales y a Internet han cambiado radicalmente el contexto en el que se produce y se distribuye  la fotografía. Foncuberta en su artículo lo explica un poco dramáticamente, y tal como indica el título -Por un Manifiesto Postfotográfico- se trata de establecer un discurso de "Nosotros contra vosotros" en la linea beligerante de las Vanguardias históricas, posiblemente (o en parte) otra broma propia de la trayectoria de las provocaciones hiperreales de este autor, pero esta vez en el plano de la teoría. Pero,dejando de lado la Pirotecnia declaratoria,  en el que lo deseable sería que académicos y venerables estrellas de la periclitada fotografía montasen en cólera y protestasen airadamente (Fontcubertas llama a los aún fotógrafos Fotosauros), y como el propio Fontcuberta indica en su artículo:

"De hecho, la postfotografía no es más que la fotografía adaptada a nuestra vida on line"

Y entonces, extendiendonos más,  el nuevo contexto teórico y práctico que se deriva de ello. La exposición de Arts Santa Monica precisamente se centra en un abanico de esas  nuevas prácticas y en como estás responden al nuevo marco teórico Postfotográfico. Sería util tener en mente el Manifiesto-decálogo postfotográfico para poder ver cómo la selección de postfotógrafos lo ilustran. Veamos el decálogo:


Decálogo posfotográfico

¿Cómo opera la creación radical postfotográfica? Esta sería una propuesta plausible expresada de forma tan sumaria como tajante:

Sobre el papel del artista: ya no se trata de producir obras sino de prescribir sentidos.

Sobre la actuación del artista: el artista se confunde con el curador, con el coleccionista, el docente, el historiador del arte, el teórico... (cualquier faceta en el arte es camaleónicamente autoral).

En la responsabilidad del artista: se impone una ecología de lo visual que penalizará la saturación y alentará el reciclaje.

En la función de las imágenes: prevalece la circulación y gestión de la imagen sobre el contenido de la imagen.

En la filosofía del arte: se deslegitiman los discursos de originalidad y se normalizan las prácticas apropiacionistas.

En la dialéctica del sujeto: el autor se camufla o está en las nubes (para reformular los modelos de autoría: coautoría, creación colaborativa, interactividad, anonimatos estratégicos y obras huérfanas).

En la dialéctica de lo social: superación de las tensiones entre lo privado y lo público.

En el horizonte del arte: se dará más juego a los aspectos lúdicos en detrimento de un arte  hegemónico que ha hecho de la anhedonia (lo solemne + lo aburrido) su bandera.

En la experiencia del arte: se privilegian prácticas de creación que nos habituarán a la desposesión: compartir es mejor que poseer.

10º En la política del arte: no rendirse al glamur y al consumo para inscribirse en la acción de agitar conciencias. En un momento en que prepondera un arte convertido en mero género de la cultura, obcecado en la producción de mercancías artísticas y que se rige por las leyes del mercado y la industria del entretenimiento, puede estar bien sacarlo de debajo de los focos y de encima de las alfombras rojas para devolverlo a las trincheras.


El punto número uno distingue como opuestos producir obras y prescribir sentidos. Tal como está construida la frase parece como si hasta la Postfotografia los artistas produjesen obras sin que éstas tuviesen sentido alguno, y que en cambio la Postfotografía conllevase un cambio rádical. Pero en la exposición de Santa Mónica parece que  hay obras ( o puede que representaciones de obras, u objetos que al menos se parecen a lo que en otros contextos se denomina obras, tales como fotografías, algunas incluso enmarcadas, videos, libros e instalaciones, con pollos vivos y picoteantes incluidos), aunque obras con sentido, o al menos se presuponen a si mismas un sentido, y por si acaso hay dudas los sentidos de las obras están explicitados en el conjunto que representa a cada artista en una prescripción claramente visible que acompaña a las obras:


Cartela en la que se prescribe el sentido de lo expuesto
Dado que el sentido está explicitado en tercera persona cabria preguntarse por quien es el autor de la prescripción, que sería, manifiesto en mano, el autor, lo que nos lleva al segundo punto:


"2º Sobre la actuación del artista: el artista se confunde con el curador, con el coleccionista, el docente, el historiador del arte, el teórico... (cualquier faceta en el arte es camaleónicamente autoral)."

Si cualquier faceta del Arte es camaleonicamente autoral entonces los curadores de las exposiciones, como es el caso de esta, que son los que prescriben el sentido ¿Serían los artistas a tener en cuenta en este caso? Me imagino que el camaleonismo depende de la prescripción de sentido. En ese caso Fontcuberta olvida a uno de los actores claves en la prescripción de sentido, el espectador. Ya lo dijo Duchamp hace casi 100 años, el espectador completa el sentido de la obra en su recepción. Ahora podríamos decir incluso que no solo completa, sino que prescribe sentido, o sinsentido, porque uno de los problemas de estas definiciones tan abiertas sobre lo que supone la actuación del artista y la autoría es que supone una facilidad igual para desconsiderar la autoria.

El tercer punto nos habla de la ética del reciclaje:

"3º En la responsabilidad del artista: se impone una ecología de lo visual que penalizará la saturación y alentará el reciclaje."

 De nuevo en la exposición, vemos como sorprendentemente la saturación es una de las herramientas principales de varias de las propuestas. Superficies atiborradas  de imágenes. Tenemos Mosaicos de Penes sobre teclados, Moda  digital, conjuntos de objetos, repeticiones:


Detalle de una propuesta de saturación, la más contenida de la muestra

Por otro lado, y tal como el propio Fontcuberta admite, el reciclaje tiene un caracter más bien simbólico. El ejemplo del mosaico de las puestas de Sol (Otra propuesta de saturación), señala lo que en realidad pasa en la mayoria de los casos, que prescribir nuevos sentidos genera nueva imágenes, puede que nuevas obras e incluso nuevos objetos, y que las imágenes al copiarlas y editarlas no se reciclan, sino que se clonan produciendo obras derivadas dejando igual las imágenes de las que se parte. Es decir, que siempre se suma. En un reciclado lo que se consigue es transformar algo deshechado que en el proceso desaparece  en algo de nuevo utilizable. Es decir, que no hay suma. Si miramos las propuestas de la muestra, siempre se suma y se contribuye a una mayor saturación. Aunque con diferentes matices, eso si, porque a veces la suma usa la saturación como lenguaje y en otras solo contribuye a ella secundariamente.





Aquí tenemos una propuesta que nos sirve para comentar los puntos 5 y 6 del decálogo:


" En la filosofía del arte: se deslegitiman los discursos de originalidad y se normalizan las prácticas apropiacionistas.

En la dialéctica del sujeto: el autor se camufla o está en las nubes (para reformular los modelos de autoría: coautoría, creación colaborativa, interactividad, anonimatos estratégicos y obras huérfanas)."

Pues estarán muy reformulados los modelos de autoria en la Postfotografía, pero en la exposición lo que hay es un conjunto de autores, cada uno con su cartela con su nombre destacado en la cabecera para que no nos confundamos, en lo que no parece haber ningún cambio con respecto al modelo anterior. En el caso de la foto tenemos una apropiación, en la que ¿El autor? ha quitado los tanques y el manifestante de la famosa foto de las protestas estudiantiles de la plaza de Tiananmen:




Como pasa con todas las apropiaciones, el espectador tiene que preguntarse si el comentario vale la pena, porque la apropiación no es un plágio debido a que se añade un comentario transformando la obra. En este caso las preguntas podrían ser ¿Qué denota la ausencia de los tanques y el manifestante? ¿Es un comentario relevante, o una manera de aprovechar la calidad artística de una fotografía o su fama icónica? La apropiación, que es una práctica en absoluto novedosa (recordemos el ejemplo de Rembrandt) despierta este tipo de suspicacias. En la muestra hay varios ejemplos de apropiación, lo que permite comparar resultados en cuanto a en que medida la apropiación depende en su efectividad o en su prescripción de sentido de la imagen de la que se apropia.

Quedan 4 mandamientos Postfotográficos. El 7 y el 9 creo que van por el mismo lado:


"7º En la dialéctica de lo social: superación de las tensiones entre lo privado y lo público.

En la experiencia del arte: se privilegian prácticas de creación que nos habituarán a la desposesión: compartir es mejor que poseer."

Esto es bastante ambiguo, porque sin poner ejemplos o proponer estrategias concretas  que den un contenido a estas intenciones, es difícil saber a qué se refiere Fontcuberta.  Como en otros momentos del discurso teórico Postfotográfico, parece que estamos ante dicotomías irreconciliables. Compartir es mejor que poseer ¿Siempre? ¿Todo? Las tensiones entre lo privado y lo publico ¿Por qué hay que superarlas? ¿A favor de quien?  Hablando de dicotomias, en el versículo 8 y 10 tenemos otras dos:


"8º En el horizonte del arte: se dará más juego a los aspectos lúdicos en detrimento de un arte  hegemónico que ha hecho de la anhedonia (lo solemne + lo aburrido) su bandera."

"10º En la política del arte: no rendirse al glamur y al consumo para inscribirse en la acción de agitar conciencias. En un momento en que prepondera un arte convertido en mero género de la cultura, obcecado en la producción de mercancías artísticas y que se rige por las leyes del mercado y la industria del entretenimiento, puede estar bien sacarlo de debajo de los focos y de encima de las alfombras rojas para devolverlo a las trincheras."

¡Cual es el Arte hegemónico? ¿El que se presenta desde las Instituciones quizá? ¿Es la Postfotografía parte de este discurso hegemónico (Porque podríamos pensar que en su conjunto, y en su insistencia en presentar cambios tecnológicos y nuevas prácticas formales, la Postfotografía, es precisamente una forma de rendirse al glamur tecnológico sin que en el fondo haya nada realmente novedoso. La apropiación, el arte colaborativo y otros conceptos de este decálogo están presentes en el arte de Vanguardia del siglo XX desde el principio.  En este sentido se pronuncian algunos, como el fotográfo Rafael Roa);  ¿ O quizá los centros expositivos desde donde se nos da a conocer la Postfotografía (Arts Santa Mónica, FotoColectiona en Barcelona) son trincheras de la cultura? 

Imagen de la muestra explicitamente relacionada por la curaduría con las Vanguardias históricas

A mi la Postfotografía me ha parecido interesante, la selección de artistas tiene propuestas variadas que reflejan efectivamente prácticas que están adquiriendo un gran auge. Y da qué pensar.   Pero su carácter apocaliptico de oposición a la fotografía tradicional y su atribución de revolución/evolución, sobre todo en los contenidos conceptuales que parece cuestionar, me parecen sobredimensionados o en el fondo no cuestionados.

El planteamiento inicial de Fontcuberta también  me recuerda a esas voces que, a principios del siglo XX, predijeron la desaparición de la pintura ante la irrupción de la fotografía. Pero esto, junto con el formato entre Vanguardista y bíblico elegido (Los diez mandamiento del Pope de la Postfotografía) pueden entenderse como parte de la actividad artística propia de este autor.