domingo, 22 de diciembre de 2013

Exposiciones de gráfica en Barcelona (5)

En la galería Fernando Pinos hay en la actualidad una exposición de Linografías de Picasso. Se trata de un conjunto de tauromaquias y otros temas habituales de la gráfica de Picasso, como el pintor y la modelo. Es una colección de estampas originalmente editada en libro encuadernado, pero, dado el valor que han adquirido las ilustraciones, separado de su soporte original y vendidas al detalle. Estas tienen la particularidad de estar firmadas una a una por Picasso, ya que el libro del que se extrayeron fué regalado al torero Luis Miguel Dominguin. Debido al ferreo control de los derechos de imagen de sus herederos, no puedo poner ninguna imagen específica de la muestra.


Solo hice esta foto general de una de las paredes, y no quedó nada bien

Así que esta vez para ver algo de esta expo no tenéis más remedio que ir a verla. Y, ya que estamos en lo difícil de ver, pasemos a lo imposible:

Fugaz exposición de grabados de Antoni VIla Arrufat en la galería Francesc Mestres, lo podéis mirar en su histórico. Apenas 10 días.



Pero pasemos a lo posible, y ya fuera del grabado, un clásico de estas fechas, Drap Art, que acaba el 5 de Enero. En el CCCB. En mi opinión, superándose con respecto al año pasado. Karol Bergeret con sus amas de casa, Fabio de Minicis con sus letras poetico-escultóricas y un nutrido grupo de artistas recicladores convirtiendo la basura en arte, haciendo poesía plástica, sacando enorme partido a la relación entre material y representación, creando juegos de doble percepción entre lo que vemos y lo que usan los artistas como materia prima.  Esta vez si que tengo fotos:







Qué hacer con unos libros viejos...  a mi me recordó a Jasper Johns




¿Un árbol muerto?



Perro muy atento



Franjas de billetes de metro




Mejores que la de Hirst



El fin del ladrillo de oro


Resistencias y ganchillo


Hay muchos más, pero mejor los descubrís vosotros.

Y en la linea de exposiciones colectivas navideñas, este año en la Sala Parés Lito market, gráfica de 40 artistas, sobre todo Litografías. Podéis ver el catálogo pinchando AQUÍ.

Y fuera de la gráfica, aunque con algún pequeño ejemplo de grabado, es recomendable la visita de la colectiva de la galería Esther Montoriol. El pequeño ejemplo de grabado no es otro que Vulva Joy Division, de Juan Escudero, estampado en el taller 13/15 por Grabado Líquido:






Pero además se puede ver una selección de muchos otros artistas en multitud de soportes, predominantemente arte plástico.
























Estuve mirando un buen rato esta expo y -como siempre pasa en estos casos- cuando solo se trata de arte de calidad la ve uno prácticamente solo. Una oportunidad  para la contemplación.

martes, 12 de noviembre de 2013

Entrevista al artista grabador Jorge Perellón

Siempre que voy a Madrid a la feria de Estampa aprovecho para acercarme a alguna otra exposición de grabado, o bien visitar una tienda de materiales de bellas artes en la que el grabado tenga su sección diferenciada, o bien -como en este caso-  conocer algún taller de grabado o algún artista del ámbito madrileño cuya obra este relacionada con la gráfica. Esta vez pude visitar el taller del artista Jorge Perellón que, aparte de mostrarme su espacio, me explicó la particular óptica desde la que se desarrolla su obra gráfica:



Grabado Líquido: Empezémos por tu formación, porque estudiaste Bellas Artes y te especializaste en grabado ¿Cómo elegiste esta especialidad, sentías una vocación previa a tus estudios o te decidiste mientras estudiabas?

Jorge Perellón: Estudiar Bellas Artes estaba en mi cabeza desde joven, mis libros se llenaban de dibujos por todos los márgenes , así que era inevitable. La especialidad de grabado se impuso una vez en la Facultad. En mi época (yo pertenezco a la generación del baby boom), la facultad estaba a rebosar y era inviable hacer pintura con casi 80 alumnos en las clases; un caos y mucho desinterés en la calidad de la enseñanza. Era así. En el taller de grabado , aparte de que me gustaba, encontré mi pequeño reducto de paz. Era una especialidad que también tenia gente , pero las instalaciones eran grandes y buenas. Se podía trabajar.

Grabado Líquido: Una vez acabada la carrera ¿Cuales fueron tus siguientes pasos, y qué te llevó a meterte en el mundo de la bibliofilia?
Jorge Perellón: Durante la carrera y después de la carrera yo no andaba muy centrado en lo que quería, andaba por la vida caminando por el lado lúdico , en su versión mas salvaje...así que como para centrarse. Sin embargo, un año de estancia en Nueva York me sirvió para asentarme un poco y hacer mis primeras incursiones en el mundo de la bibliofilia, un contexto que no era nuevo para mi ya que, de alguna forma, lo "mamé" en mi ámbito familiar. Ese año trabajé en restauración e iluminación de grabados y libros antiguos y a mi vuelta empecé a hacerme algunas colecciones de grabados en esa linea bibliográfica: una colección de mapas recreando los antiguos, mis primeras tauromaquias, producto de una afición taurina también heredada del entorno familiar y que hoy dia no conservo...en fin, había que ganarse la vida y esa era una fórmula que me daba y me sigue dando resultados.
 


Pequeña Tauromaquia(Muerte)


G.L.: Desde fuera puede parecer que la bibliofilia clásica en su vertiente de gráfica de autor ( es decir, la de ese libro importante en la historia de la Literatura que contiene gráfica original) no está en su mejor momento, incluso que ha sido sustituida por todas las nuevas variantes de libros de artista. Sin embargo la bibliofilia parece tener un coleccionismo fiel y un mercado editorial capaz de soportar una especialización como la tuya. ¿Cual es tu visión de esto? ¿Cómo ves la salud de esta bibliofilia en el panorama actual de la gráfica en España y en un futuro? ¿Y la situación del grabado en general?
Jorge Perellón: Hay un mercado editorial gráfico que se sustenta en lo clásico; te lo aseguro. Tal vez sea un mercado de una renovación incierta pero lo hay en España y fuera de España. Desde luego no esta muy presente en las ferias de vanguardia. Mi opinión es que es una puerta mas, pero demasiado entornada, casi cerrándose y necesita aire. Esto hila con mi visión del grabado actual. las nuevas tendencias y los nuevos soportes no deben dejar de lado al grabado mas tradicional, habría que conectar mejor todas las puertas del mundo gráfico ya que los gustos de los coleccionistas son muy variopintos. Una puerta te lleva a la otra y si no las cerramos, estamos dando la posibilidad a la gente interesada en la gráfica, de ampliar sus conocimientos, y por tanto, tener mayor criterio.



 Romancero Gitano



Romancero Gitano



G.L.: Aunque no todos, muchos artistas tenemos unos gustos y unos referentes que se derivan de nuestros intereses profesionales. ¿Cuales son tus referentes? ¿Existen artistas a los que sigues, incluso que te interesen especialmente por su vinculación a la bibliofilia?
J.P.: Mis gustos son amplios. Efectivamente, mi derivación profesional, me ha limitado en cierta medida mi campo de acción, pero soy muy observador y siempre estoy asimilando todo lo que veo; son muchos los artistas que me gustan y de todas las tendencias saco algo ; Me gusta mucho el arte y aunque muchas veces pueda ser de manera inconsciente creo que interiorizo bien mis experiencias visuales y sensoriales, pero no sigo a un determinado artista o un concepto claramente definido. Cuando tengo tiempo de crear y de soltarme, sin ataduras comerciales, cosa que no siempre ocurre, cualquier referencia puede ser buena; Depende del momento.

G.L.: En tu trabajo, aparte de los encargos editoriales en los que eres autor o estampador, has ido desarrollando series de grabados -como tus tauromaquias- que se salen de la bibliofilia o incluso de la seriación y del grabado. ¿Cuales han sido esas series y bajo que referentes artísticos las desarrollas?
J.P.: Las Tauromaquias tienen ya bastante tiempo. Una de ellas surgió de la improvisación, en un momento inspirado y la otra fue un trabajo mas comercial, buscando el mercado. Curiosamente fue la primera la que me abrió mas mercado. En el campo del grabado, donde mas a gusto me muevo es en la Monotipia. Supongo que hay afloran muchas referencias. Trabajo la gestualidad, el resultado inmediato, aunque me preocupo mucho del equilibrio de las formas y la armonía en el color. Son las sensaciones las que me hacen seguir por un camino o por otro.




Monotipia








Monotipia




Monotipia


G.L.:Y fuera de la gráfica, en la obra única ¿trabajas en alguna técnica o serie?
J.P.: Por mi dedicación al taller de grabado me he ido apartando poco a poco de otras técnicas aunque sigo manteniendo una de mis pasiones que es salir al campo a tomar apuntes de acuarelas del natural dentro de un concepto clásico de la acuarela. Son momentos que me inspiran y de los que disfruto. Para el próximo año me he planteado retomar el oleo e intentar entrar en el mundo de la escultura; Es una cuestión de necesidad. Buscaré el tiempo de donde sea.



Serie Bestiarium:Mantis. Acuarela

Serie Bestiarium:Cangrejo. Acuarela


G.L.: Así mismo en la actualidad te estás decantando por nuevos proyectos fuera de la gráfica, o no estrictamente ligados a ella, que incluso te sitúan en un papel cercano al comisariado y fuera del rol del productor individual. ¿Qué te ha inducido a probar procesos colaborativos donde la autoría se reparte en un grupo en vez de en un individuo?
J.P.: Lo tomo como una experiencia en un campo que aun esta por desarrollar, pero que, creo, tiene muchas posibilidades.Somos muchos los artistas que atravesamos momentos complicados y nuestro hueco en el mercado se va reduciendo cada vez mas. Parece que seguir adelante solo va a depender de nosotros. Así que intentar desarrollar nuevos caminos y vías diferentes de colaboración, agruparse en el esfuerzo, es una idea que puede tener futuro y merece la pena desarrollar. En cualquier caso es enriquecedor.

G.L.: En esta producción colectiva las nuevas tecnologías y las redes sociales juegan un papel muy destacado.¿Cual es tu valoración de estas herramientas y nuevos medios? 
J.P.: Las nuevas tecnologías y las redes sociales nos abren un camino por el que no es fácil transitar, pues a mayor numero de individuos, a mas gente puedes llegar, pero también son mas los problemas que te puedes encontrar. Como ya he dicho, ahí hay un campo en el que merece la pena transitar. Estoy en ello. Tengo ideas para hacer palpable lo que de momento solo es virtual; no todo el mundo responde en la misma manera o como a mi me gustaría; cuento con ello y creo que lo mas complicado es rodearte de la gente adecuada (me refiero a la hora de afrontar un proyecto viable)...;mientras tanto sigo sacando conclusiones. Hay que pensar positivamente en el campo que nos abren las nuevas tecnologías.



Proyecto Cadáveres exquisitos. Obras de múltiples artistas bajo la dirección de Jorge.



G.L.: Otra de tus facetas profesionales es la de estampador, más ligada si cabe que el grabado a un conocimiento preciso de una práctica artesanal. ¿En qué medida es importante para ti ese conocimiento artesanal ?
J.P.: Soy un defensor de la técnica; el conocimiento de los métodos de trabajo es fundamental. El oficio se hace con el tiempo y, concretamente, en el grabado, nunca dejamos de aprender. También hay que dejar un lugar a la experimentación y a la improvisación, pero si tienes una buena base, mejor.


Prueba de esto último es un significativo detalle que Jorge me explicó sobre su tórculo. Para que en su función fuese más preciso cuando encargó la prensa pidió al constructor una modificación del diseño para aumentar la precisión en los registros: Poner un engranaje al rodillo inferiror y un dentado en la platina, por lo que esta, al llegar al final de una plancha, no sufre salto ni movimiento alguno:



Detalle de la cremallera, conocimiento en acción.



Y hasta aquí la entrevista; La visita al taller de jorge fué uno de los buenos momentos  de mi viaje  a Madrid, un buen contrapunto a Estampa.  Podeis ver más obras de Jorge Perellón y encontrar más información sobre él en su web, pinchando aquí.
















sábado, 19 de octubre de 2013

ESTAMPA 2013

Hacia tres o puede que cuatro años que no iba a Estampa, desde la última edición en la que era una feria de grabado en retroceso, cuestionada por su singularidad. En mi recuerdo cada edición se parecía, y desde que la Feria dejó su ubicación anterior al palacio de cristal, los recintos siempre eran demasiado grandes para el nº de expositores. El recinto actual, Matadero, me ha parecido un acierto:


El recinto es muy grande, con una arquitectura de ladrillo digna de verse



Y aquí la entrada a la parte expositiva de galerías


Para entrar en faena, un enlace a la web de Estampa

Lo primero que hay que decir es que, tal como me advirtieron y como la propia organización publicita, Estampa ha cambiado. Pero a mi, más que los cambios conceptuales, me ha sorprendido el tamaño: Estampa se ha encogido mucho. La crisis sin duda, pero no solo la crisis.

Los cambios de la organización en el enfoque se vienen produciendo desde hace años, aunque en los dos últimos  se hayan concretado en una dilución casi total de la identidad de Estampa. Recordemos que  en sus orígenes fue una Feria de grabado, donde, aparte de galerías, había instituciones, proveedores y exposiciones asociadas al evento. El carácter especializado de la Feria, que tomaba como referencia un sector productivo (donde hay espacio para productores, distribuidores y proveedores) supongo que tuvo desde un principio una cierta oposición por su especificidad, y poco a poco se han impuesto sus detractores.

 Un repaso:

Lo primero que cayó en Estampa fueron los proveedores, porque Estampa tenía Stands de fabricantes de tórculos, papel y tintas. También había tiendas especializadas más generales, con herramientas, matrices, papeles y catálogos completos de todos sus productos. Para mi, como productor, un placer y una oportunidad para conocer y comparar...   Pero ¿En que feria de Arte importante se ha visto algo así? Creo que a una pregunta de este tipo debemos los primeros cambios de Estampa. Y  probablemente así se prescindió  de esta óptica sectorial donde el asistente a la feria puede ser el productor. Seguidamente se prescindieron de todas las instituciones locales, porque en Estampa se podían ver una gran cantidad de municipios locales que tenían en sus escuelas de Arte talleres de grabado. Debía parecer muy provinciano. Así que fuera. Bien, quizá exista otra razón para que no estén, pero a mi me dio esa impresión.

Paralelamente se fue ampliando la definición de los contenidos. De grabado a Arte múltiple, primero potenciando la fotografía y el vídeo, para más tarde acoger cualquier posibilidad de múltiples, hasta llegar a la curiosa pirueta del estado actual, donde las galerías ya pueden llevar Obra única: podéis ver la sección DRAWNING UP ESTAMPA, que en los pasillos de la feria se tradujo en la presencia en las galerías expositoras de dibujos. Y algunos de estos dibujos fué de lo que más me gustó de esta edición.

Impresionante dibujo de Ruth Morán, en la Galería Ángeles Baños



  Calidad de contenidos aparte -porque con  esto lo que planteo no es la calidad del contenido-de esta manera podríamos dar como finiquitada la singularidad inicial de Estampa.

Esta ampliación continua de posibilidades no se ha reflejado en una pareja ampliación de expositores. La crisis, si, pero no solo la crisis. Cierto que hay Galerías que participaron durante muchas ediciones que han desaparecido. La sevillana galería Nuevoarte por ejemplo cerró el año pasado. Y  habrá otras que no han de poder pagar un Stand. Pero también pienso que en esta merma de participantes hay otra razón:  Si una galería de obra gráfica ve como Estampa ya es una feria de arte contemporáneo como cualquier otra, entonces ¿Por qué ir a esta feria y no a otra? Así que Estampa, en mi opinión, ha prescindido de las galerías que durante años apostaron por este evento al desechar su peculiaridad principal.  Esto se podría extrapolar al público. Si la feria tuvo alguna vez un público concreto, amante del grabado, este público ahora puede seguir visitando Estampa, si, pero como acudiría a cualquier otra feria... Cierto que ahora pueden acudir otros "públicos" distintos, pero, echando atrás la mirada, tanto cambio no ha supuesto ni más ni menos que antes, solo otra cosa, y más pequeña. Entonces ¿Por qué cambiar? ¿Quizá porque en España ya no hay ese público o ese coleccionismo especialmente interesado en la gráfica? ¿Quizá nunca lo hubo o no fue capaz de soportar las exceptativas de crecimiento que se ponen en todas las ferias de Arte? Recordemos este interesante dato: si quitamos el turismo, el público del arte en España es a la vez, y casi por entero, aquel que trabaja en el sector de la cultura. Es decir, el publico del arte apenas existe fuera del propio arte. Forzando un poco el dato, quizá el público del grabado es especialmente escaso, a pesar del uso que el grabado ha tenido en la decoración o el coleccionismo por su precio siempre más asequible que sus hermanos auráticos.


Serigrafía del inconfundible Keith Haring de 7000 €, no ilustra lo que quiero decir

Sobre la necesidad de una feria de grabado, o un evento similar en España, señalemos la reciente creación de Fig. Bilbao, justo hace dos años, el mismo intervalo en el que Estampa ha dejado de ser Estampa; señalemos también la pujanza de eventos como Arts Libris, que en su definición de contenidos incluye (y se refleja destacadamente en cada edición) las "Ediciones de Arte".  Puede que Fig. Bilbao se pudiese entender como una alternativa, un intento al menos, al hueco que ha dejado Estampa.

Pasemos a los contenidos de este año... Y hay que resaltar, para empezar, que después de lo dicho el grabado sigue siendo un argumento importante de Estampa. En un vistazo rápido pude comprobar como "Los viejos guerreros" siguen presentes. Stands como el de la Galería Eude, El taller de José Rincón, Taller del Prado, taller 2/69, Photosay Gallery, la Sala Gaspar, Obra gráfica original, Obra recent o Galleri MDA  centraban el grueso de sus propuestas en el grabado. También en las instituciones presentes, como Goya Fuendetodos, con sus últimos nuevos disparates o la Casa Velázquez con sus becados.

Los pasillos de Estampa, el primer día a primera hora donde se pueden ver...  Estampas!!



Hay artistas que han estado especialmente presentes. Este año Jaume Plensa ha sido el artista invitado, motivo por el que había una exposición  de 3 esculturas suyas. Impresionantes.








Y motivo por el que se podían ver entre los expositores ejemplos de sus incursiones en la obra gráfica.











Muy presente también Fernando Bellver y sus trabajos de apropiación Pop del grabado Japones, con sus collages y sus grandes formatos iluminados.


De su serie sobre los Ukiyo-e  Shunga


Bellver es un buen ejemplo de apropiacionismo Pop habitual en el Arte contemporáneo, que basa su efectividad en el comentario irónico de la historia del Arte, con diversa fortuna. Había otros ejemplos en la feria de esta tendencia:








La caja brillo en una de sus múltiples mutaciones


Otro tipo de comentario centrado en el metalenguaje que la historia del arte produce y reproduce en los artistas es el de la última serie de Joan Fontcuberta Deletrix, donde se señalan -entre otras cosas-  las semejanzas estéticas entre el informalismo y la censura a libros científicos o filosóficos acaecida en el pasado:


Fotografías de libros censurados

De Fontcuberta también un ejemplo de uso de Software libre en el Arte Contemporaneo, sus imágenes de imágenes:





En definitiva, y para resumir, Estampa me pareció cambiada, pero no tanto. Como siempre encontré en su visita obras que me gustaron, pero ha sido la visita en si lo que más me ha hecho pensar; y también como siempre encontré fuera de Estampa inspiración.  Así que para terminar os dejo un símbolo de Madrid con una intervención que dice mucho del momento político y económico actual.





Será la crisis, si, pero no solo eso.

sábado, 5 de octubre de 2013

Exposiciones de Gráfica en Barcelona (4)

La temporada expositiva en lo que respecta a la gráfica en Barcelona empieza fuerte.

En la Galería Eude tenemos una retrospectiva del pintor Joan Hernández Pijuan.  El subtítulo de la exposición es "Obra gráfica 1966 - 2005", que son las fechas de las que parte el primer trabajo expuesto y la muerte del autor.
Una pequeña retrospectiva, algo más de 40 estampas, que por su interés y características merecería una segunda parte;  Porque lo primero que hay que decir sobre estos trabajos es que el concepto de obra hay que situarlo en la serie y no en la pieza. Pijuan realizaba variaciones y narrativas que se apoyan en las series. Cierto que podemos disfrutar de cada pieza por separado, son, como piezas, independientes, pero toda su efectividad estética, e incluso de significados, se manifiesta en cada serie completa. Ejemplo de ello son sus flores azules, que nos han recordado vivamente al último y sintético Matisse:















Otro ejemplo de Secuenciación lo hallamos en sus casas terreras:



Lo interesante de esta exposición es que la podemos ver como una síntesis del modo de pensar el Arte de Pijuan, y pensar de qué manera se genera la abstracción en su obra. En la serie de los años 70 tenemos unos árboles en los que la mirada del artista pasa de centrarse en la descripción del arbol, podríamos decir, del objeto, a centrarse en el lenguaje que posibilita esa descripción.











 A mi esta serie me ha recordado a la antigua función del dibujo como herramienta de análisis y descripción del mundo, salvo que la mirada de Pijuan se dirige paulatinamente hacia el propio lenguaje, hacia las propias anotaciones y el sentido conceptual que tienen. Del Arbol pasamos a las cotas, la cuadrícula y la propia trama como elementos que se abstraen de su función original, para pasar a tener otra función  más reflexiva sobre el propio lenguaje artistico y la necesidad humana de construir sentido apoyandose en la vista como sentido inicial, para a partir de ella y de la actividad gráfica crear ideogramas. En cierto sentido una gran parte de la obra de Pijuan se apoya en ideogramas populares, en un arte Pop. Un arte Pop, por otro lado, muy alejado del Arte Pop Norteamericano del Siglo XX; Sus cenefas de flores, sus celosias y sus sencillas abstracciones  geométricas están mucho más cerca del arte popular mediterraneo que de otras tradiciones iconográficas. Para comprobarlo basta con salir de la Galería Eude y entrar en la recientemente abierta galería de Arquelogia de justo al lado ( Galería J.Bagot Arqueología-Ancient Art) y comparar las series más abstractas de Pijuan y sus grafias de puntos y lineas con los motivos abstractos de una cerámica griega.








En la Galeria 3 punts tenemos otra exposición de un artista norteamericano que si guarda cierta relación con el arte Pop norteamericano, pero en su reinterpretación más crítica.  Se trata de Shepard Fairey, más conocido por su nombre de grafitero Obey .  Lo que tiene en común con el Pop es la apropiación de imágenes iconográficamnete populares. A diferencia del Pop, a diferencia de -digamos- Warholl, Obey no trata de aprovechar la falsa Aura de la que hablaba Benjamin en relación a las celebrities del cine para hacerse a su vez famoso, sino que usa un icono popular al que añade un mensaje subersivo.


Usando a Nixon, esta pegatina la vi en Manhattan en el 2011


 Aquí radica lo polémico de su actividad. Puede parecer que en un principio su práctica se centra en la crítica política, pero su éxito y todo el mercadeo montado alrededor de sus imágenes -desde camisetas a obra gráfica e incluso ejemplares únicos (algo así como cuadros)- recuerdan más a las estrategias de las grandes empresas de ropa para hacerse con los consumidores reticentes a las marcas. Así, si reducimos la crítica política a un nicho de mercado, abrá que proporcionar mercancias para los consumidores de este nicho con arreglo a sus exceptativas. Y así Obey se convierte y convierte su actividad en una marca:

.



Marca que se apropia de la propaganda y el cartelismo político de mediados del siglo XX para usar su retorica heroica y su lenguaje gráfico y centrarlo en una marca, la marca Obey. Recordemos que Obey significa, literalmente, obedece. El resultado de estas contradiciones conceptuales y este depurado lenguaje gráfico es de un gran atractivo, y, como digo, una buena muestra se puede disfrutar en la galería 3 Punts. En su mayoría Serigrafías de altisimas ediciones.  Por si no podeis ir, aquí teneis un enlace a la mayoría de las obras expuestas. Os pongo, para terminar con este artista, uno de sus trabajos presentes en la muestra que me ha gustado particularmente por su referencia al cartelismo de propaganda política de las segunda guerra mundial:






Continuamos en  la Galería Joan Gaspart, donde podemos ver una exposición de arte gráfico de la obra de Antoni Tapies. Como ya dije en una entrada anterior, a las actuales retrospectivas sobre Tapies le faltaba una exposición centrada en la obra gráfica. La Galería Joan Gaspart nos ofrece un conjunto de grabados de Tapies, de los que destacan muy claramente el conjunto de Xilografías de gran formato situados en la planta baja, trabajos que se pueden relacionar muy claramente con pinturas expuestas en el Mnac, pinturas de formatos y recursos técnicos parecidos. 


Un pie de más de 2 metros de largo.


Observemos, en este libro, sus característicos números


Mirar...

Viendo estas Xilografías, e imaginando las matrices, se me ocurre una pregunta ¿Es posible que Tapies, una vez acabada la edición, usase las matrices para pintarlas y convertirlas en obras únicas? La relación entre las palabras y los numeros invertidos en la pintura de Tapies y su obra gráfica es una conexión que salta a la vista, y que se deriva de la necesidad de dibujar en la matriz siempre al revés de como queremos que quede la imagen una vez estampada. Pero ¿Hasta donde llegó el artista en este sentido?


Seguimos nuestro periplo en el Showroom de la Polígrafa, en la calle Balmes.  Allí encontraremos un conjunto de obras de la artista Japonesa Leiko Ikemura. En la primera sala su obra gráfica y en la segunda dibujos,  podríamos pensar dibujos preparatorios. A grabado Líquido, quizá por deformación profesional, le gustó mucho más la obra gráfica, paisajes que parecen continuar y reinterpretar la visión de la naturaleza propias del paisajismo tradicional Japones, a la vez que recogen un sutil expresionismo,en ocasiones antropoformizado.





Paisajes y ensoñaciones



Todas estas exposiciones están muy cerca unas de otras, en el centro expositivo de las galerías de Barcelona. Así que, para acabar, una recomendación en la periferia, conceptualmente en la más lejana lejania. En el parque natural del Garraf  hay, aparte de unos entornos naturales fantásticos, un centro experimental de las Artes: La masia de Vallgrassa. Situada en el fondo de un pequeño valle en el que no hay ninguna otra construcción, este centro tiene la peculiaridad de tener un taller de grabado. Es por ello que en su variada programación, que tiene incluso una itinerario artístico por los alrededores del centro, la gráfica nunca falta.


Vista desde arriba de la carretera



En la parte de los tres arcos está el taller de grabado

El tórculo, igual que el mío pero más cuidado

El centro tiene 2 salas dedicadas a exposiciones, una biblioteca, un espacio para el arte sonoro y el taller de grabado. Os guiará en la visita Arturo Blasco. Ahora mismo exponen, en el espacio interdisciplinario, Ferran Castellnou y Montse Forns. Grabado Líquido  se ha fijado en los Monotipos de Forns, que desde una estética diferente están también -como los  de Ikemura- centrados en la Naturaleza, si bien en este caso se trata de una Naturaleza en primer plano:





La Naturaleza según la mirada de Forns

Arturo informó a grabado Liquido que la inauguración de las exposiciones, así como la presentación al unísono de los productos de una cava del Garraf, tendrán lugar el próximo Domingo 24 de Noviembre. Sin duda una buena excusa para visitar el Parque del Garraf.
Y para acabar, para los que hayais llegado hasta el final, un video del mismisimo Arturo BLasco Quartet: