domingo, 29 de julio de 2012

Música, arte plástico y Límites

John D. Barrow es uno de esos escritores que escriben libros de divulgación científica. Libros que suelen convertirse en grandes éxitos de ventas. En uno de ellos, titulado Imposibilidad, el autor explora los límtes de la ciencia y el concepto de imposibilidad como noción básica para establecer fronteras y formularse preguntas en torno a nuestra capacidad intelectual. Preguntas tales como si es posible que lo conozcamos todo (El universo, sus leyes, sus fuerzas, su futuro), o si nos será posible realizar todo aquello que imaginemos (Inteligencia artificial, viajes a otros sistemas solares, viajes en el tiempo). Barrow es más concreto en sus preguntas, y el libro se divide en capítulos donde se examina el estado de la cuestión de cada gran problema planteado a nuestra capacidad cognitiva y en qué podría consistir la imposibilidad de realizarlo. En este libro, en su capítulo 4 -La condición humana- hay un breve texto dedicado al Arte. Apenas dos hojas que he recordado porque para hablar de Arte Barrow se centra en la música. En lineas muy generales, y citando a otro cientifico, Barrow piensa que el Arte sigue un proceso evolutivo que se basa en eliminar las restricciones de composición impuestas a los artistas. Es decir, una vez definido en que consiste un arte, este es explorado por sus practicantes. Llega un momento en que la practica agota las posibilidades de variación que a ese Arte le es posible dados los parametros en los que se basa, así que la unica forma de seguir avanzando es redefinir sus fronteras, ampliarlas. Este proceso en la musica se explica así:

¿Qué es musica? Barrow cita un estudio de dos físicos de Berkeley, Richard Voss y John Clarke, que descubrieron que todas las formas musicales producidas por humanos tienen una forma espectral común con independencia de su procedencia cultural. Al parecer la música es una secuencia de ruidos correlacionados que son a la vez predectibles (porque siguen unas pautas formales que reconocemos) e impredectibles (porque sobre estas pautas crean variaciones inesperadas). Bien, si la musica que oimos se entrega demasiado a la predectibilidad nos aburre, pero si resulta demasiado impredectible nos parece ruido. El problema es que para la comunidad musical lo que resulta predectible crece a medida que escuchamos más música, asi que para no aburrirnos hemos de "progresar" con nuevas musicas cada vez más impredectibles, con menos pautas y mayor libertad estilística. Nuestro gusto se refina. Un camino tal, en el que la libertad no deja de crecer, puede conducir a una situación en la que al final en la ausencia de pautas resulte imposible distinguir lo que oimos como musical de lo que no lo es. Jonh Cage y su musica atonal   o aleatoria serían un ejemplo de esta fase final de la música, en la que es el oyente o el contexto donde se produce la audición lo que determinan si "eso" es música o no....








Interesante ¿no?, y muy fácil de establecer un paralelismo con el Arte Plástico o el Arte Contemporaneo en general. Asi podríamos pensar que el Arte moderno es una sucesión de estilos que continuamente relajan las normas que los definen: El resultado es que cada vez más cosas son arte. Existe una continua ampliación de posibilidades basada en una continua abolición de los limites. El fundacional  rechazo del Academicismo en los -ismos y Las Vanguardias sería el rechazo a la entidad guardiana de las pautas formales, de tematica, decoro, etc. que nos indican estos límites. Con la abolición de toda norma y el descredito de las instituciones que las defendían llegamos a la Postmodernidad, donde el Arte es, para seguir con el símil musical, "Arte Atonal". La Teoría institucional del arte de George Dickie es el paradigma teórico de esta situación. Según Dickie es arte aquello que el sistema del arte señala como tal. Vemos aquí una apoteosis del contexto y una ausencia total de objeto. No hay propiamente un "Objeto artístico" que sea distinguible de por si, sino unas instituciones (el museo, la crítica, el historiador, la galería, el coleccionista e incluso el público) que desde su subjetividad señalan aquello que consideran arte, o bien hay una intención de artisticidad que resulta suficiente (Y aquí tendriamos a Duchamp o Josep Beauys y su democratización del arte) para que cualquiera sea artista declarándolo el mismo y lo que señala con su voluntad arte.  Barrow tambien advierte en su explicación sobre la música y su evolución que una vez llegada la fase atonal existe una gran tentación de reciclar musica del pasado, lo que es otra de las características definitorias de la Postmodernidad, su inclinación hacia un eclecticismo estilístico que mira al pasado.

En la actualidad se podría entender las diferentes posturas en torno a lo que es arte como la coexistencia de comunidades artisticas, de productores y espectadores/consumidores en diversos grados de desarrollo de esta atonalidad. Mucha gente prefiere un arte con normas y los límites que estas fijan, un arte "reconocible", mientras que otros prefieren un arte más contextual, sin restricciones o límites. La palabra Límite en si misma puede parecernos negativa, castradora. Parece que nadie quiera tener límites, o que le limiten, pero en la práctica siempre hay límites para todo. La pregunta es ¿Para el Arte no? y ¿ Responde realmente el Arte a un esquema de "rendimiento decreciente" tal como plantea Barrow?  ¿Es más valioso un arte pautado o uno menos pautado? ¿Se corresponde esto con un grado de mayor o menor refinamiento del espectador?
 La situación en la que estamos, de indefinición, de ausencia o equivalencia de cánones, además de desconcertar a mucha gente, artistas incluidos, provoca paradojas de todo tipo. Recordemos, en un plano anecdótico, la persistente identificación de señoras de la limpieza de ciertos objetos artísticos como basura o chatarra y las hilarantes consecuencias  asociadas a ello.






Pensemos tambien  en la situación de la crítica de arte, su paradójica insignificancia (porque parece que su juicio profesional cuente, pero a la vez está muy subordinado al Mercado del Arte, que únicamente lo usa como legitimación del valor económico)y su posibilidad de independencia del objeto artístico y del sistema del arte más convencional (argumentando que la crítica en si es ya un género artístico, con su propia historia, sus características estéticas, formales y de contenidos. La prueba más notoria de esto -y más graciosa también- es que muchas veces el texto de la crítica es más interesante que la obra del artista).

domingo, 22 de julio de 2012

Arte y música

Es sabido que "Todas las Artes tienden a la Música", ya lo dijo el poeta Paul Valery el siglo pasado y, antes que él, en el XIX, Walter Pater.  Esta es una frase que condensa toda una visión formalista del Arte, esto es, la que mantiene que lo fundamental del arte se haya en la forma y no en el contenido. Dado que la Música es pura forma ésta se convierte en el modelo a seguir. Y no se trata, como en el caso de Kandinsky, de señalar una correspondencia basada en la sinestesia (oir colores, ver sonidos), o de tomar la música como tema de la pintura o fuente de inspiración espiritual. Se trata de reparar en que el lenguaje del arte, en la medida al menos en que este lenguaje tenga una dimensión sensible, dirigida a los sentidos, tiene una forma de organización común, una igualdad estructural, unos conceptos compartidos, que en la música se enuncian con más claridad, pero que operan por igual en el resto de las artes. Esta es una autoconciencia muy propia del siglo XX: El Arte se vuelve sobre si mismo y se examina, se abstrae de aquello que no  sea esencial, se formaliza. Todo lo que no sea su propio lenguaje es visto como anecdótico, superfluo, desechable... El arte abstracto en una de sus formulaciones más radicales es esto, pura forma entregada a si misma, que no significa nada, que no representa nada.  Pero todo el arte plástico, sea o no abstracto, usa este mismo lenguaje y desde un punto de vista formal puede ser considerado igual: No importa que pintemos unas manchas que se entiendan como un desnudo o un paisaje,  o que se trate de unas manchas sin más. La forma se rige por las mismas leyes. De ahí que en cierto modo se pueda considerar que toda pintura es abstracta. Hay muchos pintores que podrían nombrarse para ilustrar esto, Morandi sería uno:




Es un bodegón lo que vemos, si, pero es sobre todo pintura. Es más importante la composición espacial y del color que el motivo en el que se apoya.

 La abstracción como estilo lo que puede hacer es explicitar este lenguaje sin más, convertirlo en tema sin ningún apoyo. Digo que puede hacerlo porque muchas veces no lo hace, ya que a pesar de todo muchos artistas entregados a la abstracción si quieren significar o representar algo, pero desde una conciencia radicalmente subjetiva.

¿Y cual es el lenguaje de las artes plásticas? La mancha, el trazo, la linea, el color, la textura, la composición...  Existe una lista de conceptos, de recursos , pero sobre todo existe una estructura de correlaciones entre estos elementos que es lo propiamente musical: Proporción, repetición, ritmo, armonía o contrapunto son parte del lenguaje del arte plástico que tiene su modelo en la Música. Como digo, se trata de una visión formalista del Arte, en la que el lenguaje es el propio tema, el contenido.

Quizá con unos ejemplos se entienda mejor lo que explico. De nuevo he salido por Barcelona dispuesto a buscar exposiciones en el panorama galerístico que ilustren esta visión formalista del arte, esta vez intentando encontrar exposiciones de grabado. No es tarea fácil, porque en Barcelona no suele haber muchas exposiciones de grabado y casi no hay galerías centradas en el arte gráfico. Aún así encontré ejemplos donde la relación entre música y plástica es bastante clara. Propongo la visita de dos muestras:

En la Galería Eude podemos ver hasta el 18 de Octubre una exposición enteramente de obra gráfica del artista Joaquim Chancho, titulada "Barres i estrelles",  constituida básicamente por dos series. En la primera, un conjunto de Aguatintas en color tituladas Montserrat, tenemos un ejemplo de disposiciones rítmicas como recurso básico de las composiciones:



Creo que esto es algo así como un ritmo africano, una base. Tenemos repetición, las bandas, y ritmo, proporcionado por las diferencias de color y su disposición. En toda la serie Chancho juega con estos pocos elementos, en los que explora diferencias que podríamos llamar rítmicas:








En la web de la Galería se puede ver parte de la serie . También se puede leer la nota de prensa, de la que destaco, para nuestros fines musicales, esta frase del Abad de Montserrat Josep Mª Soler:

"... Su simplicidad dice mucho y todas juntas, forman una autentica Sinfonía de lineas, formas y colores..."

En Círculo del Arte tenemos hasta el 15 de Septiembre  otra exposición, esta no únicamente de obra gráfica, en la que tambien podemos ver un claro ejemplo del uso de un lenguaje plástico con un correlato musical. Se trata de la exposición "La Música del Color" de Jaume Ribas. Vale la pena ir a verla al Círculo por varios motivos, entre ellos disfrutar de la presencia "aurática" de las obras,  del tamaño de alguna de ellas y la posibilidad de verlas enfrentadas en su escala real, pero tambien para ver El Circulo del Arte, pues aparte de la exposición hay siempre una muestra cambiante de otros artistas, ahora mismo recuerdo unos aguafuertes de Fernando Bellver y unas aguatintas de Jutta Votteler. Si  no os es posible acercaros podeis bajaros en PDF la versión digital de la revista que el Circulo edita, su último nº, donde teneis las obras de la exposición de Jaume Ribas completa.
El título de la muestra - La música del color-  ya nos indica que el autor reflexiona en su obra sobre esta relación entre el lenguaje plástico y el musical. El contrapunto sería el concepto más explorado. No es una exposición únicamente de grabados, hay tambien pinturas y dibujos, pero nosotros nos fijaremos en el grabado, en lo que respecta a la técnica aguafuertes y aguatintas con algún fondino. Aquí tres ejemplos:










Estas tres piezas muestran significativamente el problema que principalmente se plantea Ribas, y que se repite en muchos de sus cuadros, un fondo de color, una mancha, sobre la que se disponen unas lineas que dividen el espacio y crean unas figuras geometricas planas. Un primer contrapunto se da entre la relación entre lineas y mancha. Un segundo contrapunto se da en el dibujo que la linea compone y el color de la linea; El color de la linea cambia, no es uno sino dos colores que en algunos casos son complementarios y en otros están en relación harmónica con el fondo. Existe tambien una idea de progresión entre el fondo y las  figuras geometricas que las lineas forman. Dicen que la musica requiere de tiempo, de linealidad, y que la pintura es inmediata. En el juego de estos contrapuntos podemos pensar en un recorrido de nuestra percepción visual, en un intento de linealidad temporal estructuralmente parecido al de una composición musical. Recorrido este que por otro lado está presente en muchos cuadros de muchos artistas, se refieran o no a la música las obras, y que tiene que ver con mecanismos perceptivos de nuestra visión. Y esto es así porque estructuralmente el uso del lenguaje en lo que se refiere a su forma tiende a la música, tal como nos advirtió Water Pater o Paul Valery.

Para acabar, y como estamos tan musicales, un poco de música, esta vez un Boogie Woogie de Lluis Coloma Trio & August Tharrats:


miércoles, 18 de julio de 2012

Paso a paso(2)


Tal como Richard Sennet refiere en su libro "El Artesano" :

“La manera inteligente de usar una máquina es juzgar sus capacidades y amoldar el uso que se hace de ellas teniendo más en cuenta nuestros propios límites que sus potencialidades. No debemos competir con la máquina. Una máquina, como cualquier modelo, debe proponer, no imponer; y la humanidad, por cierto, debe huir de toda imposición de imitar la perfección. Contra la exigencia de la perfección podemos reivindicar nuestra propia individualidad, que da carácter distintivo al trabajo que hacemos. Para lograr este tipo de carácter en la artesanía, son necesarias la modestia y la conciencia de nuestras propias insuficiencias”.

Esta cita viene a cuento porque el objeto de este "Paso a paso", un panel de madera tallado con gubias, podría ser realizado perfectamente (perfectamente ha de ser entendido literalmente) encargándolo a una empresa de tallado laser. Claro que entonces, si quisieramos que tuviese divesas texturas, o huellas como de gubias, que indicasen la intención de un trazo, habría que especificarlas en toda la superficie del proyecto, pues de otro modo el laser talla perfectamente los tipos limitandose a llegar a una profundidad y conseguir un relieve, sin tener en ningun caso en cuenta el aspecto  concreto del material sobre el que talla. Asi pues se puede pensar que existe un caracter distintivo en la acción de tallar un panel con una cuchilla y gubias de manera artesanal por la serie de imperfecciones que esto conlleva, por las limitaciones técnicas del hacedor, y por el carácter abierto que la tarea plantea, que permite replantear el diseño y sus detalles a medida que el trabajo avanza y que el material, en sus características físicas concretas, se manifiesta y es explorado. Si esto se considera conscientemente se puede convertir en significado;  si existen varias maneras de hacer un trabajo elegir una  es también construir un significado concreto. El medio es el mensaje dicen.

Varias de las características materiales de la madera usada en este trabajo, por ejemplo el hecho de que no fuese un taco sino un panel contraplacado, influyeron en el aspecto que decidí dar a la superficie. En un contraplacado la veta de cada capa sucesiva está puesta en el sentido contrario a la anterior, pueden no ser del mismo color, incluso puede variar la consistencia y la  textura, y todo ello puede ser tenido en cuenta como recurso expresivo. Además está el dibujo de la madera de la superficie, las diferencias de color y los nudos, y la forma en que todo ello se inserta en el diseño y es aprovechado en un cierto sentido. Veamos un ejemplo. En la foto se puede apreciar como el borde de la pieza superior coincide con un cambio de color en la superficie de la pieza inferior, y como, en el dibujo de los ciclistas, los cambios de color y textura (en la parte de abajo acentué el relieve de la veta con una gubia de velo) se relacionan con la idea de paisaje y como a su vez el color sirve para determinar diferencias de altura en la talla, aprovechando la coincidencia entre el color de la capa y profundidad:


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Pero retomemos el hilo de la entrada anterior. Había dejado el trabajo en el punto en el que el grueso de la talla estaba hecho. Precisamente trabajar las piezas sin acabarlas es una precaución para armonizar el resultado. Para el final dejé las zonas más finas, logotipos de coctelerías amigas que inplicaban los trazos más finos:




Una vez acabada la talla en todos sus aspectos hay que proceder a unir las tres piezas, y para darles cuerpo, rigidez y resistencia un bastidor fué la opcción elegida. El bastidor lo encargué a medida, pidiendo dos cruces para darle más estabilidad y prevenir un posible alabeado:




La manera de unir: Cola blanca de carpintero y clavos en las partes donde resultarán invisibles. En el momento de la adhesión, sargentos y peso para garantizar la máxima superficie de contacto:










Una vez las partes fijadas podemos decir que tenemos la pieza ya en su unidad. Lo que queda entonces es pintar, dar color tomando como referencia tambien los procesos de entintado propios de la Xilografía, el entintado en relieve con rodillo. El Objetivo de este color es diferenciar los tipos en la zona de relieve y resaltar los elementos que se unen (Cócteles, procesos de mezclado, musica en vivo, etc.) para crear la personalidad de la cocteleria. Los colores fueron elegidos con arreglo a los colores corporativos (El logotipo, pero tambien el lugar donde se situará el trabajo) y la iluminación. Para aplicar la tinta rodillos, como si se tratase de una   estampación, pero con el trabajo en vertical, como si se tratase de un cuadro. Como veis uso cinta de papel de  pintor para delimitar la zona a entintar:




Y a continuación una secuencia del entintado:












A pesar de las diferencias de luz en la serie de fotografías, la madera es más oscura y roja, las tintas usadas son 6: Rojo carmín, rojo Geranio, Amarillo Capuchino, blanco cubriente, dorado y plateado, segun la nomenclatura del catálogo de la casa Charbonell.
 Después de este coloreado solo quedan algunos retoques menores, e incluso si cambiase algo en el color, porque podría ser que considerase añadir algo más, desde el punto de vista del "Paso a paso" no significaría nada; en cuanto a proceso se puede considerar acabado, falta esperar que se seque, darle un barniz final protector y colocarlo en su ubicación definitiva.  Pero  eso ya es otra historia.

Para acabar, un tema recordando a John Lord, teclista de Deep Purple fallecido recientemente:


sábado, 7 de julio de 2012

Paso a paso (1)

La generalización masiva del uso de Internet ha provocado, entre otras cosas, una gran facilidad para encontrar información de cualquier tema. En lo que respecta al Arte han proliferado los foros y los grupos de diversas índoles donde los intereses comunes propician la rápida construcción de conocimientos. Hay diferentes formatos, los blogs, los citados foros, las páginas Wiki o los grupos dentro de Facebook, por citar aquellos de los que soy usuario.
Nunca ha habido tanta explicitación publica de los procesos artísticos, de sus técnicas y sus prácticas. Aunque esto tiene tambien sus limitaciones, es claro que el conocimiento tácito o implícito ha retrocedido y ha redefinido sus fronteras, porque aunque lo fundamental en los procesos manuales, la tactilidad y su evaluación crítica, siguen siendo del reino de lo real, poder ver cómo se pinta, graba o esculpe en tutoriales de diversos formatos ha facilitado mucho el aprendizaje no presencial. Pero más que profundizar en las comparaciones o en una visión crítica del lenguaje con el que se promocina la revolución digital en el campo artístico y la difusión de su enseñanza, hoy ensayo una entrada en la que me uno con el formato "Paso a paso" a esta Ola de saber común explicitado. Un paso a paso es una documentación más o menos exhaustiva del proceso de realización de una pieza. Hay foros con secciones donde se puede, si se quiere, compartir estos procesos, normalmente con fotos y textos, pero hay quien se anima a hacer presentaciones o videos.
 Tendría que, dado que esto es un blog de grabado, compartir la construcción de un grabado, pero como es un Blog de Grabado Líquido, lo que haré será compartir una "Deriva" de mi actividad como Xilógrafo, una Matriz constituida en pieza única. En rigor se trata de un paso hacia la escultura -un relieve- pero desde la práctica del grabado en madera. Desde mi punto de vista lo que estoy haciendo es dotar de independencia a una de mis matrices, no invertir la imágen y profundizar en la talla en hueco y en relieve. Además se trata de un encargo, y por tanto el tema e incluso la metodología inicial tienen un cierto sesgo colaborativo muy de acuerdo con las prácticas de construcción colectiva que Internet propicia. 

El encargo en cuestión es un panel en madera de 120 x 180 CMS para una Coctelería de Barcelona, la Coctelería Milano. Tenía que ser algo parecido a esta otra pieza, pero con un contenido adecuado al contexto:




 Esta pieza mide 100 x 115 CMS, y es parte de mi reflexión en torno al discurso artístico y la manera en la que los significados de los conceptos se construyen. Es una representación del campo Semántico del Arte. En el Paso a paso que nos ocupa, el campo semántico a tener en cuenta fué la actividad de una cocteleria en general y de la Coctelería Milano  en particular. Para concretar los términos, los trabajadores de la coctelería realizaron una lista con distintos grupos de palabras que creyeron significativas (Cócteles, licores, cocteleros ilustres, utensilios y acciones propias de la realización de los cócteles). Además, puesto que se trata de un local con un programa de música en vivo, Jazz y Blues sobre todo, en otra lista figuraron los estilos recurrentes y los grupos y músicos habituales.  las listas fueron revisadas también en común, unas desechadas y otras ampliadas o cambiadas.
Obtenidas unas listas definitivas, las "agité" con el objeto de proponer un proyecto adecuado al encargo. Después de un par de reuniones la propuesta fué afinada hasta consensuar un diseño definitivo, sujeto solo a los cambios e improvisaciones  propios de la realización de la pieza. Aquí una primera imágen en la que se ve el diseño definitivo-aunque no acabado del todo- en su paso a escala 1:1 :




Lo siguente fué dividir el diseño en tres partes, que se corresponden con las tres piezas de madera de las que consta el relieve, para a continuación cortar los tableros con la forma adecuada. En la siguiente imagen se puede ver el tablero sin cortar con el diseño de una de las partes encima. El objetivo es, al igual que si se tratase de una pintura mural, calcar, transferir el diseño a la madera. Tambien se puede apreciar en la imagen las herramientas que uso normalmente en la talla, esto es, sargentos para fijar las piezas, gubias, martillo y cuchillas para cortar y vaciar :




Sobre las herramientas, aparte de estas, usé tambien un taladro, una caladora , una esmeriladora e incluso una ingletadora. Todas estas herramientas cortan mucho, así que el accidente más común derivado del mal uso es cortarse. No aconsejo a nadie que aprenda una técnica de este tipo sin supervisión profesional, y menos en el caso de las herramientas eléctricas, que no solo cortan mucho, sino que lo hacen con extrema rapidez y facilidad, por lo que es importante que su manejo sea muy cuidadoso:





Una vez las tres piezas cortadas y el dibujo calcado (en la foto anterior de la caladora se puede apreciar el calco en la parte de la izquierda) empezé la talla:



La primera pieza  la tallé en relieve, esto es, con el dibujo, en este caso el texto, sobresaliendo del tablero. A continuación una serie en la que se ve la progresión:








Después de casi acabar está primera pieza seguí por la segunda, la más pequeña, tallada justo al revés que la primera, en hueco, es decir, con el dibujo hacia dentro de la madera:





Seguidamente la tercera, tambien en hueco:




En esta foto se puede apreciar como varia la clase y  el tamaño de los tipos, la profundidad de la talla y la disposición en diferentes lineas horizontales no del todo coincidentes, todo ello con el proposito de dar ritmo y variedad al conjunto.

Tanto en la 2ª como en la 3ª pieza varias palabras pasan de un panel a otro de diversas manera, por ejemplo recortadas:




Y una vez casi listas las tres piezas, las sumamos a ver qué tal va el trabajo:




La imágen se ve un poco deformada por la perspectiva, pero se ve lo bastante bien. Aparte del texto se puede observar un dibujo central, una copa con una cereza, que es el logotipo de la empresa, y, en los extremos varios logotipos de las coctelerías amigas, aún sin tallar. Estos motivos los dejé para el final por la dificultad que comportaba grabarlos. Sin embargo, en lo que respecta al trabajo en general, el apartado de talla está finalizado.

 Dejo lo que queda para una segunda parte:  el montaje, barnizado y pintado de la pieza.

Espero que os haya interesado esta primera parte de mi incursión en Los "Paso a Paso". Debo su realización a la sugerencia de la pintora Belen Mariblanca Guerrero, una habitual compartidora de los procesos de construcción de sus pinturas en Internet. A ella  se lo dedico.