jueves, 28 de junio de 2012

Repeticiones(2)

Parece claro, solo echando un vistazo, que la repetición está muy presente en ámbitos donde teoricamente se la supone descartada. Así lo mantuve en Repeticiones (1), fijándome en la pintura y los pintores.Bastó un paseo por algunas de las Galerías de Barcelona para encontrar ejemplos donde los pintores se valian de la repetición de diversas maneras. Con ello respondí a la primera pregunta que me hice en esa entrada, sobre si la obra de un pintor es siempre la suma de un nº determinado de piezas únicas. En la pregunta siguiente me planteé justo lo contrario:

"¿Es siempre la obra de un grabador la suma de un nº determinado de obras múltiples?"

La respuesta es no. ¿Por qué? Hay diversos motivos. Matizemos:

  Hay un tipo de artista que  en su actividad como grabador sigue unas pautas estandarizadas en la edición, en el producto final, que lo acercan a un estado ideal en el que ciertamente su obra sería la suma de una serie de ediciones. Pero incluso en un caso así siempre habría que considerar en mayor o menor grado la existencia de Pruebas de estado, pruebas de entintado o de trabajo que, a pesar de conseguir finalmente una edición, no son destruidas y se incorporan a "La obra" del autor como piezas únicas. Este sería el reducto de un tipo de obra única casi involuntaria, y que encuentra un lugar dentro de los parámetros convencionales de la edición.Este tipo de estampas están presentes en muchisimos artistas del siglo XX, sobre todo desde que en las artes ha crecido la importancia del Proceso como concepto básico de la actividad creativa. Es posiblemente el auge en la valoración del proceso artistíco lo que ha hecho que estas pruebas de la periferia de la edición no se destruyan e incluso hayan acabado en el centro de la producción de un determinado numero de artistas. Existen otros motivos, pero considerar el proceso de construcción de la imagen como más importante que el resultado final es uno de ellos. No es dificil encontrar ejemplos de artistas grabadores que  no llegan a editar sus obras, o si lo hacen es en pequeñas ediciones, porque prefieren realizar una serie de variaciones a partir de las matrices que graban investigando en cada estampa diversos aspectos plásticos, variando los entintados o combinando varias matrices, repitiéndolas, explorando así muy diversos conceptos que, en el caso del grabado, pienso que tienden a organizarse de manera dinámica en torno a lo que el grabado tiene como lenguaje plástico propio. la facilidad del módulo sin ir más lejos:


En esta Litografía, cuya autora es la artista  Carmen Castellví Gimenez, podemos ver como se utiliza  el concepto de módulo, repitiendo y a la vez variando una imágen, dando un sentido al lenguaje modular dentro del tema (Los 4 elementos, tierra, agua, aire y fuego) y a la vez reflexionando sobre las posibilidades formales que la gráfica facilita. Si nos fijamos estamos ante una plancha que se repite 4 veces, sobre la que se ha reservado un blanco, estampado un collage (los diversos cuadrados) y estampado una segunda plancha en color diferente en cada uno de los 4 casos. El módulo es un concepto fácil de pensar en el grabado, y aún más lo es la Serie. La Serie incluye el módulo, y se diferencia de la edición en que la repetición que requiere es la repetición de mínimos, por decirlo así. En la edición la diferencia es sutil y se deriva de la manualidad del entintado, en la serie la diferencia que toleramos es creciente, acumulativa, y fruto de una intención expresa de variación. Los artistas que trabajan la gráfica en serie se plantean cómo repetirse o hasta que punto permitirse variar  de una estampa a otra. Otro ejemplo de la misma autora:


 De nuevo una Litografía con collage en la que se repiten las 2 planchas principales , en un conjunto de seis estampas, pero variando el color en cada caso en las dos planchas y en los collages.

 Todos estos conceptos, edición, serie,módulo, son desarrollos lógicos implicitos en la propia "naturaleza" física del grabado. No son conceptos necesariamente excluyentes. Fernando Bellver sería un ejemplo de serialización y edición combinadas, en sus grabados de geishas por ejemplo:





 Un artista que trabajó mucho las series de variaciones casi sin editar  fué Magi Baleta. De él existe un catálogo razonado presente en las bibliotecas públicas de Barcelona. En ese catálogo se pueden ver la cantidad de obras de las que más que una edición Baleta hizo series de estampas únicas, un conjunto de variaciones de entintados, o sumando matrices de diversos modos. Baleta es un ejemplo significativo de esta conciencia dentro del panorama catalán contemporaneo, pero hay muchos artistas que han desarrollado su actividad en el grabado centrándose en el estudio de las variaciones que propicia la existencia de un conjunto de matrices que se pueden combinar, entintar de maneras distintas o estampar sobre distintos soportes.
 Aparte del valor creciente de la idea de proceso el rol del artista como investigador equiparable en cierto modo al de científico creo que tambien han influido, porque todas estas variaciones que se producen son parte de la investigación que el artista acomete.Y cada estampa se convierte en un documento de esta investigación. Se podría decir que en algún caso la obra gráfica se combierte en una serie indefinida de Pruebas de Estado.

Además de lo dicho hay otras razones que conducen a los artistas a trabajar el grabado dejando de lado las ediciones o desechándolas por completo. Dada la afición filosófica de este blog, he de citar la influencia del pensamiento de las Vanguardias y su táctica de negar el pasado, diluir fronteras y abolir  convenciones. Así si pensamos en la edición como en una de las convenciones más extendidas del grabado, es normal que haya artistas que decidan atacar esta convención y proponer en su lugar las series de obras únicas como un nuevo enfoque transgresor, como un ataque a la tradicional subordinación de la gráfica a otras disciplinas; Si la pintura tiene más dignidad porque produce obras únicas, produzcamos con la gráfica obras únicas y deslegitimemos la jerarquía del Sistema del Arte.

 Llegando a un entorno más "Líquido" desdiferenciarlo todo y mezclarlo sería la actitud propia de la gráfica más contemporanea, que se negaría a verse a si misma como una disciplina concreta. La hibridación entre las tecnologías tradcionales y las más novedosas, la ausencia de un soporte preferente y la proliferación de imagenes únicas,  seriadas y editadas todas a un tiempo serían la lógica culminación de la "desgraficación" de la gráfica. El Arte Gráfico pasa a ser El Arte Multiple y, al igual que ya cualquier cosa puede ser Arte, cualquier cosa puede ser una edición o una serie reproducible. Un ejemplo claro de este cambio lo encontramos en la Evolución de Estampa.






En su apartado de foros de esta edición podemos leer lo siguiente:

 "...Estampa Arte Múltiple, una feria que comenzó hace diecinueve años como un salón de grabado y que ahora actualiza su actividad proyectando sus intereses hacia todas las manifestaciones posibles de edición de arte contemporáneo: imagen digital, vídeo, libros, sonido, fotografía, múltiple escultórico o gráfica tradicional hasta alcanzar a las nuevas propuestas de diseño industrial cuya creatividad está tan asociada a los procesos del arte contemporáneo, teniendo su producción tantas coincidencias con las ediciones limitadas."

La Cursiva es mía. Ante tal declaración de intenciones, y dado que como acabo de decir cualquier cosa puede ser arte, y dado además  que la organización de Estampa cree adecuado incluir las nuevas propuestas de diseño industrial asociadas a los procesos de arte contemporaneo, ¿Podremos ver en Estampa sombreros, cocina de  autor (como por otro lado ya sucedió en la pasada Documenta)  lo ultimo en coches ecológicos,o, por qué no, las ultimas ediciones de juegos eróticos de lujo? Porque ¿Se puede negar a cualquier propuesta de diseño industrial la pretensión de asociación con el arte contemporaneo?

Para responder a esto se hace necesario recordar a Warhol, su Brillo Box y el ensayo que sobre ella hizo Arthur C. Danto, por el que vemos que para que un objeto industrial se asocie al arte contemporaneo basta con que el artista o el Sistema del arte lo descontextualize y lo "artistize"...  Si, basta con que el contexto señale que es arte para que una cosa sea arte. Para ser justos, en ese contexto que "artistiza las cosas" hay que señalar la existencia de razones de algún tipo, pero el hecho es que si cualquier cosa puede ser ahora arte, cualquier cosa multiple puede ser arte multiple. Y del objeto artístico resultante  lo primero que podemos decir con certeza es que  resulta indistinguible de otro objeto idéntico pero no artístico. 







Discutir la validez de esta idea (pero está ahí, defendida o atacada) se sale por completo de las intenciones de este texto.

Y  llegados a este punto vertiginoso, acabemos esta entrada con otras dos obras de la artista Carmen Castellvi, esta vez dos pertinentes "Pectorales cambiantes", piezas únicas realizadas con la misma matriz, técnicas aditivas con collage fotográfico:



                                                              "Pectoral Cambiante II"





                                                             "Pectoral cambiante III"




sábado, 16 de junio de 2012

Maestría, alarde y apropiación

Hasta el 5 de Agosto El Caixa Forum de Girona presenta la exposición "De Dürer a Morandi. Gravats de la Fundació William Cuendet & Atelier de Saint-Prex". Esta es una exposición de un coleccionista de grabados, a la que se han añadido ejemplos contemporaneos del Atelier de Saint-Prex. Hay grabados de Durero, Rembrandt y en menor medida de otros autores. Las estampas históricas tienen un gran nivel, y en 3 o 4 ejemplos nos hallamos ante obras maestras, piezas cuya contemplación justifican la visita. Las piezas más contemporaneas, si bien tienen un buen nivel, no son comparables a las anteriores, sobre todo porque el paso del tiempo indica con claridad qué coleccionar y que resulta significativo, cosa dificil de ver en el panorama más contemporaneo.

Como digo hay varias obras maestras, y de las más notables la que ilustra la portada del folleto informativo. Melancolia I, de Durero, tenida por una de sus tres estampas maestras. Cabría, para utilizar un lenguaje Postmoderno, usar el término Metamaestría, porque Durero es en general un maestro, y esta obra es una obra maestra dentro de su maestría. Es conocida la dificultad de interpretación que su iconografía nos presenta, y nada mejor para introducirnos en ella que leer el articulo dedicado a ella en Wikipedia. Aquí teneis la estampa, pero nada como verla en directo:





Hay otras piezas de Durero, Xilografías de tema religioso de una finura de trazo sorprendente, sobre todo teniendo en cuenta que son grabados tallados a fibra. Las Xilografías están en primer lugar, y casi parecen aguafuertes. Lo parecen hasta que llegamos a sus aguafuertes y grabados al buril, con tramas y recursos gráficos para dibujar y describir el volumen o la profundidad realmente sutiles. Durero es el típico ejemplo de cómo históricamente se ha subestimado el grabado. Yo al menos estudié a Durero como uno de los pintores alemanes que introdujo el renacimiento en Alemania, cuando resulta que también  fué un excelente grabador, y tuvo un gran exito como tal, con sus ilustraciones de la biblia por ejemplo.

Siguiendo con las obras maestras, en esta exposición podreis ver un ejemplar del pasmoso trabajo al Buril "La Santa Faz" , de Claude Mellan. Realizado en 1649, esta imagen de Jesus esta hecha con una sola linea espiral, que empieza en la nariz, en la punta de la nariz, y que, variando el grosor de la linea-prácticamente equidistante entre un círculo y el siguiente-  consigue las sombras y los volúmenes. En este caso no os puedo poner la obra entera, porque no entenderiais a qué me refiero, es mejor un detalle:




Conocí está estampa leyendo el libro "Guía para la identificación de grabados" de Rosa Vives Piqué, un manual muy instructivo para quienes quieran tener una visión pormenorizada de diversos aspectos técnicos, teóricos e historicos del mundo del grabado. Es una estampa hipnótica. Todo un alarde técnico de habilidad. Uno la ve y cuesta de creer.  El tema, que es la huella que dejó Jesus en una tela al secarse el sudor y que se ha llamado "La Santa Faz"pasa a un discreto segundo plano ante la contemplación de tan asombrosa hazaña (dicen que para hacer esa espiral ni siquiera levantó el buril de la plancha, los grises son fruto de la diferente inclinación y presión dadas a la herramienta). Tan asombrosa hazaña, por cierto, me ha hecho pensar en el tan parejamente discutido valor de la habilidad o el Alarde como componentes del Arte. No es dificil encontrar, referidas a esta obra pero también a otras donde lo que más destaca es la habilidad en la ejecución, opiniones del tipo "Esto más que Arte es Artesanía" . Esta opinión se basa en la moderna apreciación de que lo importante en el Arte es la idea, el concepto, y que la formalización es secundaría. La formalización incluso podría ser delegada.   Así pues el virtuosismo que la ejecución muestre puede ser bonito, puede incluso, como es el caso, ser  pasmoso,  pero a la vez por si mismo es banal. Sin embargo el alarde, a poco que nos libremos de ese prejuicio, resulta ser uno de los componentes básicos repetidos en todas las manifestaciones artísticas a lo largo de toda la historia del Arte. No lo digo yo, así lo mantiene por ejemplo Denis Dutton en su libro "El instinto del Arte", donde situa la excelencia en la ejecución como una de las características básicas del arte. No es una característica única, ni absolutamente necesaria, y podríamos decir que su importancia varía dentro de cada obra en concreto dependiendo de diversos factores, como son la intención del autor  y el valor social que se conceda al virtuosismo en el momento de ser hecha o de ser contemplada. Además la habilidad no es siempre Arte, lo es seguramente  cuando se constituye en lo fundamental como concepto sin entrar en conflicto con el tema o cuando se convierte en el tema, y siempre que alcance cierta densidad, como creo que es el caso de esta estampa.

Otro de los autores destacados es Rembrandt. En Rembrandt, como en Piranesi, nos enfrentamos quizá a la desventaja de poder comparar esta muestra con recientes retrospectivas, como la completisima de Piranesi que hay ahora en el Caixa Forum de Madrid. Y claro, lo que vemos sabe a poco o a muy poco. Pero de Rembrandt quiero destacar una estampa también, esta vez no por su maestría, sino por el hecho curioso de que se trata de un grabado realizado sobre una plancha ya grabada por otro autor, algo que en la actualidad y con las leyes de protección de la propiedad intelectual o los derechos de autor en la mano, se podría incluso considerar un delito, o, por decirlo en un lenguaje más Cool, una Apropiación.
 Pero primero vayamos con la obra. Se trata de Huida a Egipto, y en la información consta como cobre de Seghers modificado. De esta no puedo mostraros una imagen, os mostraré otra de Rembrandt del mismo tema, aunque no se parece demasiado, solo es el mismo motivo, pero sin paisaje de fondo:





Rembrandt era admirador de Hercules Seghers y coleccionaba sus estampas de paisajes. Al parecer también compró varias planchas de Seghers, y las aprovechó para grabar encima sus propios trabajos. En el caso de la estampa de Huida a Egipto lo que  hizo es añadir al paisaje las figuras de Jose y María. Grabó un primer plano. Desde una mirada contemporanea modficar una imágen y considerarla otra obra y de otro autor es lo que se ha llamado Apropiación. La Apropiación y su relación con el Plagio o el vandalismo es una fuente inagotable de polémicas. Se supone que la Apropiación ha de añadir algo al significado de lo apropiado, un comentario, que justifique su sentido como práctica. Son comunes los comentarios irónicos. Dentro del grabado recordemos, sin ir más lejos, el caso de los hermanos Chapmann y sus modificaciones de grabados de Goya:





Modificaciones estas muy denostadas porque suponen la pérdida de 83 grabados originales de Goya. La cosa, en realidad, no es tan grave, porque de estos grabados de Goya hay muchisimas ediciones y, más importante aún, se conservan las planchas. En cambio Rembrandt, hace ya más de 300 años, llegó conceptualmente mucho más lejos que ellos;  No se conformó con modificar una estampa...  Modificó la plancha!!! Por supuesto esta modificación hay que contextualizarla, porque cuando Rembrandt la hizo ni era un delito ni, posiblemente, una práctica excentrica o reprobable. Este hecho puede hacernos pensar en el significado y el sentido que se le da contemporaneamente a esta práctica, la Apropiación, para así separarla con claridad de otras prácticas a las que está cercana (de ahí las polémicas, de ahí parte del atractivo transgresor de la Apropiación).

Existen en la muestra otras estampas de autores menos conocidos que los comentados realmente notables, de las que hay que lamentar que no haya más ejemplos. Es el caso de Jacques-Fabien Gautier-d'Agoty y su inquietante  estudio anatómico "Miología Completa", manera negra en color que incorpora el uso de varias planchas, un claro antecesor de la moderna cuatricomía:



Y hay otras que merecerían ser comentadas, pero no quiero extenderme más.  Mejor id a verlas si podeis, descubridlas vosotros mismos y sorprenderos con ellas.

Y para terminar un poco de música. Últimamente escucho un disco de Art Tatum y Ben Westber. Os pongo una pieza , "My One and Only Love". Todo un alarde también. Disfrutadla.


viernes, 8 de junio de 2012

Primer Año, última obra

Pues si, hoy hace un año de la primera entrada. Para celebrarlo publico mi última obra acabada (porque estoy en proceso de varias). Se trata de  "Su señoría",  3ª Xilografía de mi serie "Políticos".  En este caso un político en su escaño, con cara de grillo, 76 x 105 CMS. Lo he mostrado en Tallers Oberts en Barcelona y en la exposición en Brita Prinz en Madrid, y la gente me pregunta que quien es, qué político es. Lo importante para mi sin embargo es que un político, en su condición de Comunicador/Actor, maneja una serie de gestos, un lenguaje no verbal, destinado a simular su Rol  (Tal como lo explica en algún momento Alejandro Nieto en su libro "El desgobierno de lo público"). Al cambiarles la cara quiero poner de relieve lo que tiene de falso, de construcción mediática, toda esa serie de recursos gestuales. La foto es mejorable porque tiene un poco de brillo en el centro, pero se ve bien.Ahí va: